Classic Addiction: Los Mejores discos del 2003 (Segunda Parte)

Por .:G_Radaghast B.P.

Seguimos revisando lo que, a mi juicio, son los discos más destacados del año 2003, distribuyendo el Top 10 entre 5 álbumes de rock y 5 de metal, aunque como verán ambas distinciones se diluyen entre discos que perfectamente podrían entrar en una u otra clasificación. Además se consideran otros géneros como el trip-hop y la música neoclásica moderna (caso de Ulver, específicamente) que a mi gusto son fundamentales y que han influenciado a no pocos músicos de rock y metal. Como siempre, se han seleccionado 6 menciones honoríficas por cada Top, ampliando aún más el espectro estilístico del año analizado.

Antes de continuar, puedes hacer una revisión de la Primera Parte del especial, aquí.

TOP 5 – ROCK

MASSIVE ATTACK – ” 100th Window “

Después del tremendamente exitoso álbum “Mezzanine” (Virgin, 1998) Robert “3D” Del Naja (miembro fundador, vocalista, compositor, productor, programador, tecladista y, según algunos, la persona o una de las las personas detrás del artista Bansky) afrontaba diversos retos: producto del tumultoso proceso creativo que implicó “Mezzanine”, tanto Andy “Mushroom” Vowles, como Grant “Daddy G” Marshall, ambos como Del Naja, también fundadores de la agrupación, abandonaron el grupo; sin embargo sólo la salida de “Mush” fue definitiva.

Para este disco, Robert decidió aliarse con el productor de su álbum predecesor, Neil Davidge, y luego de un experimento fallido de componer en base a samplear y manipular improvisaciones de la banda Lupine Howl (banda formada por ex miembros de Spiritualized), Del Naja y Davidge escribieron las canciones prescindiendo esta vez de sampleos, con la destacada colaboración de la cantante irlandesa Sinnead O’Connor quien co-escribió y cantó en tres canciones del álbum. También se sumaron Damon Albarn (Blur, Gorillaz) en los coros de “Small Time Shot Away” y su invitado de siempre, el legendario cantante de reggae y dub Horace Andy en la hermosa “Everywhen”. También contaron con músicos de sesión que se hicieron cargo de baterías, bajo, guitarras, violín, arpa y sección de cuerdas.

¿El resultado? Si bien es menos accesible que “Mezzanine” y no posee hitazos como “Teardrop”, “Risingson” o “Angel”, es un disco que se deja disfrutar de a poco, mostrando su helado brillo incandescente a medida que le prodigas escuchas sucesivas. La maestría de Del Naja es su capacidad para crear texturas sonoras basadas en sintetizadores, secuencias y teclados, los que se entremezclan de manera discreta y etérea con los instrumentos orgánicos, aunque siempre se le da más importancia a cómo se conjugan los sonidos con las voces, contando en este acto con la privilegiada voz de Sinnead O’Connor, quien se luce magistralmente en “What your Soul Sings”, “Special Cases” y “A Prayer For England”.

La influencia del compositor de música clásica moderna y electrónica, Craig Armstrong se aprecia en lo exquisito, nocturno y reflexivo de cada track, lo cual sumado al gusto sofisticado de 3D en la elección de efectos y arreglos, dan como resultado una verdadera obra maestra de la música en general, y una lección al mundo de cómo romper los límites del trip hop hacia un género único e indescifrable, que no tendrían más contraparte que lo creado por Ulver desde su álbum “Perdition City” (Jester Records, 2000), en adelante. Para mí, ambas bandas hacen la música del futuro, continuando sus carreras hasta el día de hoy al margen de la consideración de las masas.

Tendrían que pasar 7 años para disfrutar del siguiente disco en estudio de Massive Attack (“Heligoland”).

YEAH YEAH YEAHS – ” Fever to Tell “

La crítica quedó descolocada apenas este álbum fue lanzado: el consenso fue que parecía una jam session entre Siouxsie and the Banshees con Led Zeppelin, pero este disco superaba tamañas comparaciones: el trío compuesto por Brian Chase en batería, Nick Zinner en guitarras y la fuerza de la delgada y engañosamente frágil Karen O en las voces y gemidos orgásmicos, engendraron un primer álbum poderosísimo, sensual y de bellísimos detalles, destacando cada uno en sus roles: una batería desprolija en apariencia pero que exhibe quiebres propios del jazz y que no titubea en pegarle fuerte al instrumento; la versatilidad de Nick en crear con su guitarra armonías minimalistas como también aporreos que deambulan entre el post punk, riffs sludge, otros más garageros e incluso se mete en acordes casi dance sin ningún asco. No exhibe pudor en sacarle ruidos como caricias a su guitarra y eso siempre se agradece.

Karen O representa fielmente esta versatilidad y desparpajo a la hora de cantar: con desconcertante naturalidad puede cantar, recitar, gritar y gemir en una sola canción de 1 minuto y 49 segundos (“Man”), nos hace llorar con sus promesas de amor en “Maps”, puede hacernos bailar en “Date With The Night” o “Tick”. Si bien las comparaciones con PJ Harvey no se hicieron esperar, Karen O tiene un estilo propio al cantar y literalmente comerse el escenario, pero son artistas completamente distintas. El disco lo mezcló Alan Mourder, capo de capos detrás de las perillas de una buena cantidad de bandas de rock alternativo, de todas formas la banda lo produjo junto con David Sitec, otra muestra de la clara visión artística de la agrupación. Mucho de lo que se vende actualmente como rock indie comandado por mujeres es sólo una mala copia de los primeros trabajos de esta banda, sin que ninguna se le acerque en frescura, intensidad y actitud.

La edición “Deluxe” de Spotify corresponde al box-set lanzado el 2017, que incluye outtakes, lados B y rarezas.

DEFTONES – ” Deftones “

Si en “White Pony” (Maverick, 2000) la receta compositiva fue la mezcla de conflictos artísticos internos, trip hop y deseos de sacarse el mote new metal, en su disco homónimo la mezcla estuvo muy cargada de conflictos, menos dosis de trip hop y mucho de post metal, shoegaze y falta de inspiración al principio. Cuando entraron al estudio tenían poquísimas canciones – o partes de canciones – listas, lo que prolongó sobremanera su estadía en el estudio y que terminó generando conflictos con su productor de toda la vida Terry Date, para quién sería su último trabajo con la banda. Una serie de cambios, como el uso de guitarras de 7 cuerdas por parte de Stephen Carpenter y la elección de Frank Delgado de preferir el uso de teclados y synth por sobre las tornamesas, permitió que el album adquiriera un tono más maduro, pesado y oscuro comparado con “White Pony”, máxime si añadimos a la fórmula los gritos destemplados y agudos de Chino Moreno, que molestaron a algunos críticos que esperaban un refrito más popero de su disco anterior, sin embargo en lo personal fue motivo de disfrute y celebración.

Canciones pesadísimas como “Hexagram” y “When Girls Telephone Boys”, baladas emotivas y pesadas como “Minerva” o “Battle-Axe” se transformaron en clásicos instantáneos de Deftones, quienes demostraron singular maestría en expandir sus posibilidades incorporando distintos estilos sin que por ello pierdan o diluyan su sello tan particular. Esto es lo que fanaticada más true de los metaleros no distingue cuando hablamos que “evolución” nada tiene que ver con “comercialización”, “traición a los principios” o “venderse”. Sacar el mismo disco una y otra vez con portadas distintas, eso es venderse a la estabilidad comercial, lo que afortunadamente Deftones nunca ha hecho en toda su carrera.

En “Lucky You” participa Dj Crook, músico del proyecto trip hop de Chino Moreno, “Team Sleep”.

RADIOHEAD – ” Hail To The Thief “

Radiohead había creado “Kid A” y “Amnesiac” a través de un proceso de grabación y edición que duró demasiados años y que el baterista Philip Selway describió como “fabricar música en el estudio”. Para su siguiente álbum, buscaron deliveradamente capturar un sonido “en vivo”, más inmediato. Así, en septiembre de 2002, Radiohead se mudó a los estudios de grabación “Ocean Way” en Hollywood, Los Ángeles, con su productor de cabecera Nigel Godrich, donde grabaron finalmente “un tercio” del disco, grabando el resto en el estudio que Radiohead tiene en Oxfordshire. De esta suerte, la mayoría de los elementos electrónicos no se sobregrabaron sino que se capturaron en vivo en el estudio. Thom Yorke escribió muchas de las letras en respuesta a la guerra contra el terror y el resurgimiento de la política de derecha en Occidente, manteniendo la tónica de la urgencia en sus líricas y reduciendo el análisis y la sobre-escritura.

El álbum recibió críticas en su mayoría positivas y fue el quinto álbum consecutivo de Radiohead nominado a un premio Grammy al Mejor Álbum de música alternativa. De una factura más rockera que sus predecesores, para muchos fue un reencuentro con el “mejor” Radiohead, ese del “Ok Computer”, pero manteniendo la instrumentación descubierta en los “mellizos” “Kid A” y “Amnesiac” (Ondas Martinet, pianos varios, glockenspiel, etc), coextiendo temas breves y rockeros como “2+2=5”, piezas electro-acústicas como “Go To Sleep” (Que recuerda al álbum “Adore”, de los Smashing Pumpkins) y otros experimentos propios de sus previos trabajos como “We Suck Young Blood” y “The Gloaming”. De todas formas, el clásico absoluto de este disco es sin duda, “There There”: de hecho, se dice que una vez Thom Yorke logró dar y grabar con su versión definitiva – luego de varios intentos infructuosos en el estudio de Los Ángeles, que lo obligó a seguir trabajando en ella en Inglaterra – terminada la canción, lloró.

La portada es una hoja de ruta de Hollywood, con palabras y frases tomadas de la publicidad en las carreteras de Los Ángeles, con la letra de Thom Yorke.

A PERFECT CIRCLE – ” Thirteenth Step “

A diferencia de su álbum debut “Mer de Noms” (Virgin, 2000) en el que la mayoría de las canciones del álbum habían sido escritas y grabadas durante un largo período de tiempo por el guitarrista y líder Billy Howerdel, incluso antes de que se hubiera formado la banda, en este segundo álbum se encontraron comenzando de nuevo, sin material previo a excepción de la pista “Vanishing”, que originalmente estaba destinada a estar en el primer álbum pero que Howerdel no pudo encontrar entre los archivos de las canciones. Fue un nuevo comienzo también en lo que respecta a sus integrantes: tanto Troy Van Leeuwen como Paz Lenchantin abandonaron el grupo para para ser miembro de Queens of the Stone Age y de Zwan (Banda formada por Billy Corgan, ex Smashing Pumpkins y que se extinguió apenas lanzado su primer y único álbum) respectivamente. Por lo anterior sus contribuciones al álbum se limitaron a unas pocas canciones.

Lenchantin sería reemplazada por el bajista de Marilyn Manson, Jeordie White, mientras que Van Leeuwen sería reemplazado por Danny Lohner (NIN) en el álbum y más tarde por James Iha para las giras, ya que Iha no tocó en el álbum. Para este álbum, Keenan quería alejarse del sonido general del hard rock de Mer de Noms, pues sentía que volver a tomar ese enfoque sería “redundante”, presionando a Howerdel para obtener un sonido más suave y atmosférico, lo cual colisionaba con las ideas de éste, quien favorecía las composiciones más pesadas. White, recién llegado, a menudo desempeñaba el papel de mediador entre los dos.

“Thirteenth Step” es un álbum conceptual sobre los diferentes aspectos y perspectivas de la adicción y la recuperación de la misma. El título del álbum en sí es una referencia al programa de 12 pasos de Alcohólicos Anónimos. Musicalmente, continúa la tónica del primer álbum aunque con un toque más experimental, prevaleciendo la visión de Maynard al exhibir canciones más atmosféricas, concentrando la pesadez en canciones como “Outsider” y “Pet” y dosificándola en las partes finales de otras como en “The Package” o “The Noose”. Todas éstas, en todo caso, gemas absolutas y canciones que brillaron por su belleza y que han envejecido de buena manera con el paso del tiempo.

El álbum fue mezclado por Andy Wallace, quien ha trabajado desde bandas como Slayer y Sepultura, hasta Paul McCartney.

MENCIONES HONROSAS – ROCK

BLACK REBEL MOTORCYCLE CLUB

” Take Them On, On Your Own “

Si bien no fue tan brillante como su album debut, profundizó más en la oscuridad y pesadez sin perder su gancho clásico y espíritu folk/noise en canciones como “Six Barrel Shotgun” y “Suddenly”.

THE WHITE STRIPES

” Elephant “

Más allá del hitazo que fue “Seven Nation Army”, el cuarto álbum de los hermanos/esposos malditos es un macizo álbum de rock garagero, pesado a ratos incluso aunque conservando su exquisito toque de folk, blues y experimentación.

NICK CAVE & THE BAD SEEDS

” Nocturama “

El trovador de la muerte se despachaba este increíble discazo, lleno de canciones pletóricas, oscuras a la vez de esperanzadoras. Rock oscuro, luces de funeral blues y jazz y la voz de un crooner imponente. Peter Steele (fallecido cantante de Type O Negative) cantando rock de terno y corbata? Algo así.

EXPLOSIONS IN THE SKY

“The Earth Is Not a Cold Dead Place”

La esencia del Post Rock instrumental concentrada en un disco bellísimo. Melodias minimalistas, pasajes llenos de furia contenida y pasajes de introspección en 5 canciones que superaban cada una los 8 minutos. “La Tierra no es un lugar frío y muerto porque estás respirando, porque estás escuchando”

MOGWAI

” Happy Songs for Happy People “

Para su cuarto trabajo, exhibieron un sonido más electrónico: si bien todas las canciones se basan en guitarras eléctricas y baterías en vivo, los sintetizadores se utilizan con frecuencia y a menudo cobran protagonismo, filtrando incluso todas las (pocas) voces del álbum. Pianos y cuerdas se sumaron a a ecuación de los Post Rock masters de Escocia.

TOMAHAWK

” Mit Gas “

Mike Patton (Faith No More, Mr. Bungle y un larguísimo etc) junto a músicos de Melvins, Helmet y The Jesus Lizard: nada podía salir mal en su segundo esfuerzo, más focalizado y pesado que su debut homónimo. Alt Rock muy pesado, con el siempre saludable toque vanguardista de Patton. “Rape This Day” entró directo a los clásicos de los “Patton-Lovers”.

TOP 5 – METAL

SOLEFALD – ” IN HARMONIA UNIVERSALI “

Solefald es de esas bandas que desde el momento mismo de su fundación, en agosto de 1995, han aportado lucidez y creatividad en el black metal, contribuyendo a crear las bases del Avantgarde Black Metal alejados de los dogmas y poses infantiles de esa pose de “maldad y oscuridad” de la que no pocas bandas pregonan como discreto método para ocultar su falta de talento. Solefald no: decidieron enfocar su black metal trayendo influencias del arte en general (Los cuadros de El Bosco, la poesía de Francis Bacon, entre otros) y agregando una buena cuota de humor, irreverencia y surrealismo tanto en sus letras como en su música, a la que se han atrevido a fusionar con trip hop, instrumentos de viento, coros masculinos, sampleos, etc. Lo bueno es que no han abandonado -al menos hasta ahora – la instrumentación propia del metal, manteniéndose Cornelius al mando de las voces, guitarra, bajo y sampleos, y Lazare a cargo de la batería, teclados, piano, sintetizador y voces. Sí, el mismo Lazare de Borknagar y Age Of Silence (o 4g3 0f S1l3nc3).

Para este álbum, nos presentan un disco que roza lo conceptual, basado en composiciones relativas a divinidades paganas y filósofos clásicos dedicando cada una de las 10 canciones a uno de ellos (Dionisio, Odin, Apolo), manteniendo un tono quizás más solemne que sus locos discos anteriores pero sin perder la cuota de ironía. Entre todos sus temas, se destaca “Nutrisco Et Extinguo”como una de las mejores canciones de metal de todos los tiempos, presentando un piano de cola y la aparición soberbia de un saxofón, interpretado por Kjetil Selvik. Las letras se encuentran cantadas, recitadas y gritadas en el tradicional estilo de Cornelius, en alemán, noruego, francés e inglés. Les recomiendo este disco y toda la discografía de Solefald, a ojos cerrados. No puedes andar por ahí diciendo que te gusta el Avant metal si no has escuchado a Solefald. Así de simple.

Luego nos soprenderían con “An Icelandic Odyssey”, una obra conceptual compuesta por dos álbumes, “Red For Fire” y “Black For Death” lanzados el 2005 y 2006 respectivamente…

ENSLAVED – ” Below The Lights “

Los giros estilísticos de Enslaved iniciados después del lanzamiento de “Blodhemn” (Osmose, 1998) manifestados en “Mardraum” (2000) y “Monumension” (2001) se consolidaron en este álbum, el séptimo para estos vikingos y el primero de su “segunda etapa”, en la cual abandonarían los rudimentos y la producción clásica del black metal vikingo, atreviéndose a explorar los senderos del metal progresivo con guitarras rítmicas más gancheras y rockeras, una guitarra líder que se adentraría en sonidos más gilmourianos (caso de “As Fire Swept Clean The Earth”), una batería jazzera y efectiva (gentileza de Dirge Rip, el que sería su última colaboración en la banda), teclados y sintetizadores que simulaban el sonido de mellotron, coros masculinos, flauta y una producción mucho más limpia y que capturó el sentimiento atmosférico del álbum.

Considerado por varios críticos como el mejor disco de Enslaved, la verdad es que los álbumes que vendrían después (“Isa”, “Ruun” y “Vertebrae”) mantendrían el sonido y producción exhibidos en esta obra, balanceando siempre la pesadez de las guitarras, la voz grim de Gruttle e incorporando un tecladista permanente quien además aportaba con voces limpias (Herbrand Larsen, quien se fue después de grabar “In Times”) y una batería dinámica que sólo en ocasiones desembocaba en blast beats. Clásicos absolutos de la discografía de Enslaved serían de este álbum el ya nombrado “As Fire Swept Clean The Earth” (otro tema perteneciente a mi listado de “Las mejores canciones de metal de todos los tiempos”), el canto vikingo de “Havenless”, y la sicodelia espacial y brutal de “Ridicule Swarm”. Para muchos, Enslaved es catalogado como “Los Opeth del black metal vikingo” y la verdad es que no es tan disparatada la comparación.

El álbum fue grabado en el clásico estudio Greighallen y producido por Pytten. Ambos, estudio y productor, son responsables de buena parte de lo que conocemos como black metal noruego de los noventa y la primera década de los 2000.

TYPE O NEGATIVE – ” Life Is Killing Me “

Y no era broma: la vida estaba matando a Peter Steele. Muertes en su familia (Que inspiraron su anterior álbum, “World Coming Down”, de 1999), depresión, problemas de adicción y con la ley, problemas mentales, el término de una relación amorosa de larga data y la enfermedad y muerte de sus padres le proveyeron material para componer este disco, último para su sello de toda la vida, Roadrunner. Musicalmente es mucho más melódico que el anterior, si bien nunca llegando a su disco más “popero” como lo fue “October Rust” (1996), si se aprecia una mezcla más uniforme de melodías distribuidas entre la guitarra de Kenny Hickey y los teclados y synths de Josh Silver. Además, Peter cantó de forma más melódica – como suele hacerlo en sus conciertos – abandonando esos graves profundos y extensos.

Fue el último trabajo además con baterías programadas (sólo hasta “Bloody Kisses” y luego en su posterior disco usaron batería real) y contó con la participación especial de su primer baterista en los coros de la canción “I Like Goils” (canción que se mofa del acoso sufrido por Peter por parte de homosexuales luego de haber sido portada y fotografiado desnudo en la revista “PlayGirl” de 1995, la cual era leída principalmente por gays y un mínimo de público femenino); en tanto su single “I Don’t Wanna Be Me” tuvo alta rotación en radios como también su video, protagonizado por el actor Dan Floger (conocido por ser protagonista junto con Eddie Redmayne en la saga de “Animales Fantásticos”). El track homónimo fue dedicado a su padre, en tanto la hermosa balada “Nettie”, a su madre. Es en suma un bellísimo álbum, como toda la discografía de Type O. Aún se te extraña, Pete.

“I Don’t Wanna Be Me” fue versionada por la banda europea de death metal Meridian Dawn para su debut en 2014, “The Mixtape”. En youtube se aprecia una buena cantidad de covers de esta canción, ejecutada tanto por bandas anateurs como conocidas.

ANTIMATTER – ” Lights Out “

“Lights Out” representa lo que podría haber sido la evolución que Anathema podría haber tenido si Duncan Patterson nunca se hubiese ido de la banda, luego de lanzar el disco “Alternative 4” (Peaceville, 1998). Recordemos que Antimatter es fruto de la unión de Duncan (bajista de Anathema desde sus inicios, compositor en “Eternity” y “Alternative 4”) con Mick Moss, con quien se reparte todos los instrumentos de la banda. Desde la guitarra acústica del primer tema homónimo del álbum sientes la conexión con el referido disco de Anathema, sin embargo los teclados ambientales, las percusiones programadas y los bellísimos arreglos propios del dúo te aterrizan a que escuchas un disco de Antimatter. Además, las increíbles voces de Hayley Windsor y de Michelle Richfield hacen de este disco una verdadera delicia.

La alianza Patterson/Moss produjo una exquisita muestra de trip rock: teclados omnipresentes, cálidas y melancólicas melodías de guitarra acústica, bajos profundos y pausados, drum machines y las sensuales voces de Hayley y Michelle. La receta anterior podría emparejarlos perfectamente con Portishead, Massive Attack y Morcheeba, pero la nota disonante la marcan ciertas guitarras eléctricas, gritos de Duncan y baterías en vivo. Hay espacio para secciones ambient y jazzeras (“Reality Clash”), trip de base más electrónica (“Dream”) e incluso canciones tipo soundtrack (“Terminal”). Vemos que el trip hop, popular gracias al boom que tuvieron bandas de Bristol como Portishead, Massive Attack y Tricky, ejerció gran influencia tanto en esta banda y en otras como Radiohead, Ulver y The Gathering.

Colaboró en el disco con percusiones y en la mezcla, Jamie Cavanagh, hermano de Vinnie y Danny, de Anathema. Jamie además tocó el bajo desde la salida de Duncan hasta 2018. Todo en familia.

THE MARS VOLTA – “De-Loused in the Comatorium “

OK OK. Puede que Mars Volta no sea metal pero han tenido más coraje en adentrarse en sonidos cada vez menos mainstream, creando composiciones desafiantes y coqueteando siempre con el noise, la música concreta y por qué no decirlo, la salsa (o jazz latino, para los siúticos) y la música étnica. Cedric Bixler-Zavala y Omar Rodríguez López armaron este grupo luego de su salida de At The Drive In, acompañados en lo sucesivo de varios músicos, pero siempre concentrando ellos el poder y control creativo de la banda. Para este disco debut, se basaron en una historia corta escrita por Cedric y el otro miembro fundador, Jeremy Michael Ward, sobre el personaje llamado “Cerpin Taxt”, un hombre que entra en un coma de una semana después de una sobredosis por mezcla de morfina y veneno para ratas (Inspirados por la muerte de Julio Venegas, amigo de la banda). Jon Theodore se hizo cargo de la batería (Hoy en Queens Of The Stone Age) y Flea (Red Hot Chilii Peppers) del bajo.

Este trabajo es una verdadera joya del Rock Progresivo, expandiendo las fronteras del género hacia los estilos antes descritos con notable maestría. La voz dulce y élfica de Cedric, las guitarras desquisiadas y disonantes de Omar y la batería inquieta y contundente de Jon hicieron de este álbum uno de los mejores discos de progresivo de la historia. No podemos dejar de resaltar el trabajo de Ikey Owens y de Jeremy Ward en los teclados y manipulación de sonidos respectivamente, éste último lamentablemente muerto por sobredosis de heroína un mes antes del lanzamiento del disco. John Frusciante hace un cameo soberbio en la canción “Cicatriz ESP”. En resumen, magia pura.

Storm Thorgerson, legendario artista gráfico y diseñador, colaborador de Pink Floyd y responsable de portadas de bandas como Led Zeppelin, Genesis, Yes y Black Sabbath, es autor del cover de este álbum.

MENCIONES HONROSAS – METAL

THE GATHERING

“Souvenirs”

Inmersos netamente en el género trip rock, los holandeses se despachan un trabajo bellísimo, con trazos de jazz y el aporte magistral de Garm cantando con Anneke en “A Life All Mine”. “Broken Glass” y la muy popera “You Learn About It” brillan por sobre las demás.

IN THE WOODS…

“Live at the Caledonien Hall”

La despedida de esta banda no podía ser menos fantástica que toda su discografía: un disco doble en vivo repasando lo mejor de su repertorio, con todos los miembros originales. Afortunadamente la despedida no fue eterna y aunque no sea con todos los miembros originales, su regreso el 2014 se ha materializado ya en dos álbumes de estudio.

DARKTHRONE

“Hate Them”

Uno de los mejores discos de Darkthrone fue lanzado este año. Con un sonido natural -dejando de lado un poco su chillido noise de sus anteriores producciones – se despacharon poderosísimas canciones, deambulando entre los medios tiempos y los arranques embalados de Fenriz en la batería. “Rust” es uno de sus mejores tracks de toda su discografía.

MOONSPELL

“The Antidote”

Para muchos, significó la reconciliación con el sonido pesado y clásico de la banda, luego de sus experimentaciones con la electrónica y la música industrial. Si bien las guitarras habían vuelto en “Darkness & Hope”, aquí lucirían en canciones más compactas e inspiradas.

SLEEP

“Dopesmoker” (“Jerusalem”)

Un grandioso disco de doom/sludge metal que se vio ensombrecido por conflictos entre la banda y los sellos, existiendo dos versiones lanzadas en diferentes años con diferente nombre y cover art. De todas formas, el tercer trabajo de Mike Pike y sus socios pasó directo a la historia como uno de los mejores de sus estilo, siendo copiado por bandas actuales hasta la saciedad. (Aquí en la revista hemos descubierto varias)

ULVER

“Svidd Neger”

No puede haber un ranking sin un disco de Ulver. En esta ocasión es el soundrtrack compuesto por la banda para la película “Svidd Neger”. Más orquestal que su anterior soundtrack compuesto (“Lyckantropen Themes”) el disco sirvió de inspiración para Garm y compañía en adentrarse cada vez más en la música neoclásica y en piezas minimalistas.

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.:G_Radaghast B.P.

Obsesionado por la música, el arte, la política y la literatura.
Abogado de profesión, eterno estudiante de la alquimia, la magia enochiana y la filosofía thelémica.

Metal progresivo, trip hop, jazz y música de vanguardia; doom, stoner y
black metal son las piezas de mi refugio sonoro dentro del zeitgeist.

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